MAGIA DO TANGO __ Tristezas e Nostalgias Transformadas em Dança , a Beleza e a Arte da Linguagem Corporal , da Coreografia Plena

TANGO SHOW __ QUINTETO TÍPICO DE BUENOS AIRES

HISTÓRIA DO TANGO __ Uma homenagem ao PORTAL MOMENTOS DE TANGO pelo belo prêmio a mim concedido

Carlos Gardel

Cena do filme " TANGO " 1998

História do Tango

O Tango nasceu nos fins do século XIX derivado das misturas entre as formas musicais dos imigrantes italianos e espanhóis, dos crioulos descendentes dos conquistadores espanhóis que já habitavam os pampas e de um tipo de batuque dos negros chamado "Candomble". Há indícios de influência da "Habanera" cubana e do "Tango Andaluz". O Tango nasceu como expressão folclórica das populações pobres, oriundas de todas aquelas origens, que se misturavam nos subúrbios da crescente Buenos Aires.
Numa fase inicial era puramente dançante. O povo se encarregava de improvisar letras picantes e bem humoradas para as musicas mais conhecidas, mas não eram, por assim dizer, letras oficiais, feitas especificamente para as músicas nem associadas definitivamente a elas.
Em público, dançavam homens com homens. Naqueles tempos era considerada obscena a dança entre homens e mulheres abraçados, sendo este um dos aspectos do tango que o manteve circunscrito aos bordéis, onde os homens utilizavam os passos que praticavam e criavam entre si nas horas de lazer mais familiar. Mais tarde, o tango se tornou uma dança tipicamente praticada nos bordéis, principalmente depois que a industrialização transformou as áreas dos subúrbios em fábricas transferindo a miséria e os bordéis para o centro da cidade. Nessa fase haviam letras com temática voltada para esses ambientes. São letras francamente obscenas e violentas.
Homens dançando tango, Rosário, 1913.
Por volta de 1910 o Tango foi levado para Paris. Existem várias versões de como isso aconteceu. A sociedade parisiense da época em que as artes viviam o modernismo ansiava por novidades e exotismos. O tango virou uma febre em Paris e, como Paris era o carro chefe cultural de todo o mundo civilizado, logo o tango se espalhou pelo resto do mundo. A parcelas moralistas da sociedade condenavam o tango, assim como já haviam se colocado contra a valsa antes, por o considerarem uma dança imoral. A própria alta sociedade Argentina desprezava o tango, que só passou a ser aceito nos salões de alta classe pela influência indireta de Paris.
Em 1917 começaram a surgir variantes formais do Tango. Uma delas, influenciada pela romança francesa, deu origem ao chamado Tango-canção. Tangos feitos para musicar uma letra. A letra passa a ser parte essencial do tango e conseqüentemente, surgem os cantores de tango. O tango já não é feito exclusivamente para dançar. É considerado o primeiro - ou pelo menos mais marcante nessa transição - Tango-canção o "Mi Noche Triste" com uma letra que Pascoal Contursi compôs, em 1917, sobre uma música mais antiga chamada "Lita".
Nos cabarés de luxo da década de 1920, o tango sofreu importantes modificações. Os executantes não eram mais os pequenos grupos que atuavam nos bordéis, mas músicos profissionais que trouxeram o uso do piano e mais qualidade técnica e melódica.
Carlos Gardel já era um estrondoso sucesso em 1928. Sucesso que durou até 1935, quando faleceu vítima de um acidente de avião quando estava em pleno auge. Gardel cantava o tango em Paris, Nova York e muitas outras capitais do mundo, sempre atraindo multidões, principalmente quando se apresentava na América latina. Eram multidões dignas de Elvis Presley e Beatles. Também foi responsável pela popularização do tango estrelando filmes musicais de tango produzidos em Hollywood.

Carlos Gardel

A década de 1940 é considerada uma das mais felizes e produtivas do tango. Os profissionais que haviam começado nas orquestras dos cabarés de luxo da década de 1920 estavam no auge de seu potencial. Nessa época as letras do tango passaram a ser mais líricas e sentimentais. A antiga temática dos bordéis e cabarés, de violência e obscenidades, era uma mera reminiscência. A fórmula ultra-romântica passa a caracterizar as letras: a chuva, a garoa, o céu, a tristeza do grande amor perdido. Muitos letristas eram poetas de renome e com sólida formação cultural.
A década de 1950 conta com a atuação revolucionária de Astor Piazzolla. Piazzolla rompe com o tradicional trazendo para complementar os recursos clássicos do tango influências de Bach e Stravinsky por uma lado, e por outro lado do Cool Jazz.
Astor Piazzolla
Nessa época o tango passa a ser executado com alto grau de profissionalismo musical, mas no universo popular a década de 1950 vê a invasão do Rock'Roll americano e as danças de salão passam a ser prática apenas de grupos de amantes. Na década de 1960, uma lei de proteção á música nacional Argentina já está revogada, e o tango que era ouvido diariamente nas rádios vai sendo substituídos por outros ritmos estrangeiros, enquanto as gravadoras já não se interessam mais pelo tango. A juventude não só pra de praticar o tango no lazer cotidiano como passa a ridicularizá-lo como coisa fora de moda. Com o desinteresse comercial das gravadoras, poucos grandes tangos foram compostos. Tem sido mais comuns, as releituras de antigos sucessos e reinterpretações modernizadas dos maiores sucessos dos primeiros tempos.
Hoje a crítica Argentina detecta um retorno do tango, cada vez mais freqüente em peças teatrais e cinematográficas. Em 1983 se apresentou em Paris uma inovação relativa aos espetaculosa planejados para o exterior: os casais de profissionais que integravam o elenco provinham da "milonga porteña". Era quebrada a imagem de bailarino acrobático.
Cena do filme "Tango", 1998

"Quase todos os homens são capazes de suportar adversidades, mas se quiser por à prova o caráter de um homem, dê-lhe poder." Abraham Lincoln

Abraham Lincoln
Lembrado como o presidente que emancipou os escravos de seu país, Lincoln é considerado um dos inspiradores da moderna democracia e uma das maiores figuras da história americana. Abraham Lincoln nasceu em Hodgenville, Kentucky, em 12 de fevereiro de 1809. Filho de lavradores, desde cedo teve de trabalhar arduamente. Aos sete anos foi para Indiana com a família, em busca de melhor situação econômica. Pouco depois perdeu a mãe, e o pai casou-se outra vez. Devido à dificuldade de encontrar uma escola no novo domicílio e desejoso de progredir, o jovem Lincoln pedia livros a amigos e vizinhos para ler depois das tarefas diárias. Empregou-se numa serraria e mais tarde em barcos dos rios Ohio e Mississipi. Em 1836, aprovado em exames de direito, tornou-se um advogado muito popular. No ano seguinte, sua família mudou-se para Springfield, Illinois, onde Lincoln encontrou melhores oportunidades profissionais. Casou-se em 1842 com Mary Todd, mulher inteligente e ambiciosa.
Início político filiado ao partido whig (conservador), Lincoln, entre 1834 e 1840, havia se elegido quatro vezes para a assembléia estadual, onde defendera um grande projeto para a construção de ferrovias, rodovias e canais. Nessa época, sua atitude diante do abolicionismo era reservada. Embora considerasse a escravatura uma injustiça social, temia que a abolição dificultasse a administração do país. Entre 1847 e 1849, foi representante de Illinois no Congresso, onde propôs a emancipação gradativa para os escravos, tese que desagradou tanto aos abolicionistas quanto aos escravistas. Mais decisiva foi sua oposição à guerra no México, que o fez perder muitos votos. Sem conseguir se reeleger, afastou-se da política durante cinco anos.
A Presidência e guerra contra o México ampliara o território da União e não era possível prever se a população das novas terras se declararia a favor da escravidão. Instalou-se uma grande polêmica nacional. Lincoln assumiu atitude antiescravagista e transformou-se no paladino dessa tendência após o debate que travou com o senador democrata Stephen Douglas. Em 1858, candidato ao Senado pelo novo Partido Republicano, perdeu as eleições para Douglas, mas tornou-se líder dos republicanos. Em 1860, disputou o pleito para a presidência da república e elegeu-se o 16º presidente dos Estados Unidos.

ROSAS DE GRATIDÃO

"CESSA TUDO QUANTO A MUSA CANTA QUANDO UM PODER MAIS ALTO SE AGIGANTA". Camões

A BELEZA DAS COISAS RESIDE NO ESPÍRITO DE QUEM AS CONTEMPLA

LUDWIG VAN BEETHOVEN __ VIDA E OBRA

R o m a n t i s m o

b e e t h o v e n
(1770-1827)
Ludwig van Beethoven nasceu em Bonn (Alemanha), em 16 de dezembro de 1770, descendente de uma família de remota origem holandesa, cujo sobrenome significava ‘horta de beterrabas’ e no qual a partícula van, não indicava nenhuma nobreza. Seu avô, também chamado Luís, foi maestro de capela do príncipe eleitor de Bonn. O pai de Beethoven, Johann, foi tenor nessa mesma capela. Pretendeu amestrá-lo como menino prodígio no piano, mas era um homem fraco, inculto e rude, que terminou consumido pelo alcoolismo. Beethoven teve infância infeliz.
Aos oito anos de idade apresentou um concerto para cravo. Em uma carta pública de 1780, Christian Gottlob Neefe afirmava que o seu discípulo, Beethoven, de dez anos, dominava todo o repertório de J.S.Bach e o apresentava como um segundo Mozart.
Beethoven fez os primeiros estudos em Bonn sob a orientação de Neefe (1781), tornando-se organista-assistente da capela eleitoral (1784). Iniciou sua carreira de compositor com alguns lieder, três sonatas para piano e uns quartetos para piano e cordas. Sua fama começou a transcender e o príncipe eleitor o enviou para Viena. Maximiliano, arquiduque da Áustria, subsidiou seus estudos.
Foi uma viagem pouco proveitosa, pois Beethoven teve de voltar em pouco tempo para assistir a morte da mãe. Mesmo assim, chegou a conhecer Mozart já doente, absorto pela composição de Don Giovanni. Em Bonn, Beethoven atravessou um período de grandes dificuldades financeiras.
Pouco tempo depois, Haydn leu algumas de suas obras e convidou a voltar para Viena para seguir ‘estudos vigiados’ com ele. Também tomou lições com Albrechtsberg e Salieri. Exibia-se como pianista virtuose nos salões aristocráticos. Apesar das suas maneiras rudes e do seu republicanismo ostensivo, sempre esteve Beethoven generosamente protegido pela alta sociedade vienense (o arquiduque Rodolfo, as famílias Brunswick e Lichnowsky, o conde Rasumovsky etc.). Melhorou de posição social e formação musical pela ajuda de mecenas, que em 1792 lhe possibilitaram a mudança definitiva para Viena.
Em 1795 Beethoven publicou o sua primeira obra, integrada pelos Trios para piano Op. 1 (3). Obras que, como as Sonatas para piano Op. 2, mostravam a personalidade (embora não ainda o gênio) de seu criador. Esse gênio começou a se revelar só anos depois, em seu Op. 7 e Op. 10.
Os últimos anos do século XVIII parece ter sido a época mais feliz da desditosa vida de Beethoven: o sucesso profissional, a proteção e lisonja dos poderosos, as amizades profundas, talvez o amor. Embora várias figuras femininas tenham cruzado a sua vida, provavelmente a única realmente importante tenha sido a ‘jovem amada’, Giulietta Guicciardi, cujos 17 anos e encanto fútil conquistaram Viena, e a quem o compositor dedicou a sua Sonata ao luar.
Também foi nessa época (1801) que se instalou em Beethoven uma crescente surdez, que em pouco tempo se tornaria irreversível. Desesperado, Beethoven redigiu em Heiligenstadt, então subúrbio de Viena, seu testamento, decidido a suicidar-se. A crise foi, porém, superada e, sendo parcial sua surdez, o compositor ainda pôde continuar a sua carreira. Como ele mesmo descreveu, ‘foi a arte, e só a arte, que me salvou’. Beethoven utilizava uma corneta para atenuar sua surdez, antes de ter de usar os cadernos de anotações.
Foi o tempo de sua única ópera, Fidélio, exaltação do amor conjugal, das grandes Sonatas para piano - Patéticae Apaixonado, dos monumentais concertos, dos quartetos para cordas do período médio; o tempo, principalmente, das obras que lhe deram maior popularidade, suas revolucionárias sinfonias e, em especial, a Sinfonia n.º 5. Os membros da aristocracia austríaca, lhe concederam em 1809, uma pensão vitalícia. Sua carreira pública chegou ao ponto culminante em 1814, por ocasião do Congresso de Viena.
Depois desses sucessos, a surdez começou a piorar, isolando o mestre quase totalmente do mundo. A carência afetiva o levou a se trancar cada vez mais dentro de si mesmo. Seus últimos anos também se viram amargurados pela saúde precária, dificuldades financeiras e, principalmente, pelos problemas com seu sobrinho Karl, os quais, indiretamente, foram a causa da sua morte: após uma discussão, Beethoven saiu de casa no meio de uma tempestade, contraindo uma pneumonia que pôs fim a seus dias em 26 de março de 1827. O cortejo fúnebre contou com uma impressionante multidão de 20.000 pessoas, coisa inusual em uma Viena que produzia gênios e depois, como com Mozart, dava-lhe as costas.
Beethoven impressionou os contemporâneos, além de sua arte, pelas manifestações rudes de sua independência pessoal. Em torno de sua forte personalidade formaram-se lendas, destinadas a salientar os sofrimentos e a grandeza do homem titânico, chegando a falsear a perspectiva biográfica. A famosa carta (sem data e sem endereço) à ‘amada imortal’ não tem maior importância para a interpretação da obra, porque na arte de Beethoven não é sensível o elemento erótico. Errada também é a opinião de ter o mestre sofrido pela incompreensão dos contemporâneos: teve, em vida, os maiores sucessos e foi admirado como nenhum outro compositor.
Também teve notável êxito material e, chegou a ditar preços aos seus editores. Mas, sobretudo, foram mal compreendidos os efeitos de sua doença. Até 1814, a surdez não foi total, permitindo a elaboração de numerosas obras-primas musicais; depois dessa data, foi a própria surdez que abriu ao compositor as portas de uma nova arte, toda abstrata. A grandeza de Beethoven não foi, prejudicada pela surdez, e sua vida não se resume numa luta heróica contra a doença.
As obras de Beethoven são intensamente românticas , pela extremo subjetivismo, no qual tem lugar a tragicidade patética e o júbilo triunfal, o idílio e o humorismo burlesco, o idealismo eloqüente e a música profunda. Mas a forma dessas manifestações é a do Classicismo vienense de Haydn e Mozart; são cuidadosamente elaboradas e severamente disciplinadas. Essa obra romântica é, paradoxalmente, a mais clássica que existe. Beethoven viu-se admirado até a idolatria pelos seus contemporâneos. Sua influência sobre toda a música do século XIX foi avassaladora. Também as obras difíceis, as últimas sonatas e os últimos quartetos foram, enfim, compreendidos, e a imensa popularidade de Beethoven chegou a estender-se à Sinfonia n.º 9. Mas no fim do século começaram a surgir as primeiras vozes cépticas.
Achou-se que Beethoven tinha escrito sinfonias, sonatas e quartetos os mais perfeitos, de modo que sua arte significava um fim, embora glorioso. Debussy ousou manifestar aversão à eloqüência do mestre. Na época moderna já não existem compositores beethovenianos. Sua influência parece terminada. Stravinsky encontrou palavras duras contra o subjetivismo e o emocionalismo do mestre, o que não o impediu de declarar a fuga para o Quarteto de cordas Op. 133 (1825), como a maior manifestação da música ocidental.
Diferente de muitos outros compositores, Beethoven não foi menino prodígio. Teve evolução lenta. À sua primeira obra escrita e publicada em Viena deu o nome de Trios Op. 1, fazendo entender, com razão, apenas interesse biográfico e histórico. Também é necessário descontar algumas obras escritas por encomenda e elaboradas sem inspiração, como a Sinfonia de batalha, que foi composta em 1813 e apresentada em Viena em 1816 com sucesso retumbante mas efêmero.
Resta a grandiosa evolução, dos Trios Op. 1 até o último Quarteto Op. 135 (1826), evolução que não tem igual na história da música. O musicólogo russo Wilhelm von Lenz, considerando 1802 e 1814 como datas decisivas na vida do mestre, formulou a tese de três fases da criação de Beethoven: mocidade, maturidade, últimas obras. Embora cronologicamente inexata (algumas obras não se enquadram bem no esquema) a tese de Lenz é até hoje geralmente aceita.
Primeira fase - A primeira fase, de 1792 até 1802, caracteriza-se pelo frescor juvenil, pelo brilho virtuosístico, pelo estilo galante do séc. XVIII, embora interrompida por tempestades pscológicas bem pré-românticas e acessos de melancolia. Galante, naquele sentido, é o famoso Septeto Op. 20 (1799-1800); despreocupadamente alegre é a sua Sonata para piano e violino em fá maior Op. 24 - Primavera (1801); bem mozartiano ainda é o Concerto para piano n.º 3 em dó menor (1800).
A melancolia manifesta-se na Sonata para piano n.º 3 em ré maior Op. 10 (1796-1798), nos Quartetos Op. 18 (6) (1798-1800) e na Sonata para piano e violino n.º 2 em dó menor Op. 30 (1802), mas sobretudo na célebre Sonata para piano n.º 2 em dó sustenido menor Op. 27, à qual a posteridade tem dado o apelido de Sonata ao luar. Obra capital do pré-romantismo beethoveniano é a Sonata para piano em dó menor Op. 13, à qual o próprio mestre deu o nome de Patética (1798). A evolução do mestre evidencia-se na diferença sensível entre a Sinfonia n.º 1 (1799) e a Sinfonia n.º 2 (1802).
Duas obras das mais conhecidas de Beethoven não se enquadram bem no esquema de Lenz. Em 1803, já em plena segunda fase, a famosa Sonata para piano e violino em lá maior Op. 47 - Kreutzer é o exemplo mais brilhante da primeira fase. Por outro lado, já em 1802, a Sonata para piano n. 2 em ré menor Op. 31 manifesta toda a tragicidade do gênio beethoveniano.
Segunda fase - A segunda fase, a da plena maturidade, abre em 1803 com a colossal Sinfonia n.º 3 em mi bemol maior - Eroica. Do mesmo estilo trágico são, em 1804, a sombria Sonata para piano em fá maior Op. 57 - Apaixonado, e o segundo ato da única ópera de Beethoven, Leonora (mais tarde rebatizada Fidélio). Mas ao mesmo tempo, em 1804, escreveu o mestre a triunfal Sonata para piano em dó maior Op. 53 - Aurora (ou Waldstein) e, depois de duas aberturas menos bem logradas para a ópera, a Leonora n.º 3 (1806), que conquistou a sala dos concertos, talvez a mais gloriosa de todas as aberturas. Do ano de 1806 também são o intensamente lírico Concerto para piano n.º 4 em sol maior Op. 58, o majestoso Concerto para violino em ré maior Op. 61, e os Quartetos Op. 59, em fá maior, mi menor e dó maior, dedicados ao conde Rasumovsky, os quartetos mais brilhantes que existem.
Depois as obras-primas seguem-se sem interrupção: a trágica Sinfonia n.º 5 em dó menor (1805-1807), a mais famosa de todas, e a não menos trágica abertura Coriolano (1807), a idílica Sinfonia n.º 6 em fá maior - Pastoral (1807-1808), a sombria Sonata para piano e violoncelo em lá maior Op. 69 (1808) e o Trio para piano em ré maior Op. 70 (1808), de profunda melancolia; em 1809, a Sonata para piano em mi bemol maior Op. 81 - Os adeuses. Em 1810, a música de cena (incluindo grandiosa abertura) para a peça de Egmont, de Goethe; em 1812, a Sinfonia n.º 7 em lá maior, a mais intensamente poética de todas, a humorística Sinfonia n.º 8 em fá maior (1812) e o justamente famoso Trio para piano em si bemol maior Op. 97 - Arquiduque; enfim, em 1812, a última Sonata para piano e violino em sol maior Op. 96, despedida poética da segunda fase.
Terceira fase - Depois das festas de 1814, Beethoven, agora completamente surdo, retira-se para a solidão, elaborando uma música totalmente diferente, abstrata, interiorizada. O pórtico da terceira fase é a gigantesca Sonata para piano em si bemol maior Op. 106 - Sonata para piano (1818). Seguem, 1820-1822, as três últimas sonatas para piano, em mi maior Op. 109, em lá bemol maior Op. 110 e em dó menor Op. 111. A última, Op. 111, seria - dir-se-ia - o sacrossanto testamento pianístico de Beethoven, se não tivesse escrito, em 1823, as 33 Variações sobre uma valsa de Diabelli Op. 120. Sobre um tema banal, a maior obra de variações da literatura musical.
Do mesmo ano de 1823 são a Sinfonia n.º 9, que o coral do último movimento, que assustou os contemporâneos e é hoje a obra mais popular do mestre, e a gloriosa Missa solene, obra de religiosidade livre de um grande individualista. Em 1824 inicia Beethoven o ciclo dos últimos quartetos: em mi bemol maior Op. 127, em lá menor Op. 132 (1825), em si bemol maior Op. 130 (1825), do qual foi separada a Fuga final Op. 133. Enfim, em 1826, o Quarteto em dó sustenido menor Op. 131, mais uma dessas obras gigantescas para o pequeno elenco de quatro instrumentos de cordas, e o comovente último Quarteto em fá maior Op. 135 (1826). São obras de inigualável profundeza artística e grandes documentos humanos.
Beethoven - Minha coleção
Essa você conhece! O midis abaixo correspondem às músicas mais conhecidas de Beethoven. É só clicar e ouvir!

4.º movimento (da Sinfonia n.º 9 - Coral) - Somente o tema principal desta música é conhecido (neste midi, próximo ao minuto 3).
1.º movimento (da Sinfonia n.º 5)
Por Elisa
1.º movimento (da Sonata para piano n.º 14 - Ao luar)

LUDWIG VAN BEETHOVEN __ MOONLIGHT SONATA __ UM DOCUMENTO HUMANO ACIMA DO TEMPO

DEPRESSÕES

DEPRESSÕES

Se trazes o espírito agoniado por sensações de pessimismo e tristeza, concede ligeira pausa a ti mesmo, no capítulo das próprias aflições, a fim de raciocinar.
. Se alguém te ofendeu, desculpa.
. Se feriste alguém, reconsidera a própria atitude.
.Contratempos do mundo estarão constantemente no mundo, onde estiveres.
. Parentes difíceis repontam de todo núcleo familiar.
. Trabalho é lei do Universo.
. Disciplina é alicerce da educação.
.Circunstâncias constrangedoras assemelham-se a nuvens que aparecem no firmamento de qualquer clima.
. Incompreensões com relação a caminhos e decisões que se adote são empecilhos e desafios, na experiência de quantos desejem equilíbrio e trabalho.
. Agradar a todos, ao mesmo tempo, é realização impossível.
. Separações e renovações representam imperativos inevitáveis do progresso espiritual.
. mudanças equivalem a tratamento da alma, para os ajustes e reajustes necessários à vida.
. Conflitos íntimos atingem toda criatura que aspire elevar-se.
. Fracassos de hoje são lições para acertos de amanhã.
. problemas enxameiam a existência de todos aqueles que não se acomodam com estagnação.
Compreendendo a realidade de toda pessoa que anseia por felicidade e paz, aperfeiçoamento e renovação, toda vez que sugestões de desânimo nos visitem a alma, retifiquemos em nós o que deva ser corrigido e, abraçando o trabalho que a vida nos deu a realizar, prossigamos à frente.
EMMANUEL – Chico Xavier
Livro: CORAGEM

ORVALHO DE MINHA SAUDADE

Minhas lágrimas sentidas

nesta tarde ensolarada e vibrante

derramam e me falam de tantas coisas

e eu ouvindo-as tento entendê-las

lágrimas de minhas horas perdidas

de meu tempo disperdiçado

e meus sonhos não vividos

lágrimas de minha meditação diária

que me falam dos momentos importantes

mas já tão distantes aos meus olhos

na espera de ter o que não tive

de viver o que foi interrompido e penso

na vida que caminha a passos largos e se distancia

me falando pelo silêncio esta melodia

caminhando sempre em nostalgia

na amargura e no tempo

deixam minha alma vazia

contagiando almas com esta sinfonia diária

então o tempo agirá com sua sabedoria

na hora certa me tratá de novo a alegria !

Sandra Waihrich Tatit

A MITOLOGIA GREGA

Os gregos criaram vários mitos para poder passar mensagens para as pessoas e também com o objetivo de preservar a memória histórica de seu povo. Há três mil anos, não havia explicações científicas para grande parte dos fenômenos da natureza ou para os acontecimentos históricos. Portanto, para buscar um significado para os fatos políticos, econômicos e sociais, os gregos criaram uma série de histórias, de origem imaginativa, que eram transmitidas, principalmente, através da literatura oral.
Grande parte destas lendas e mitos chegou até os dias de hoje e são importantes fontes de informações para entendermos a história da civilização da Grécia Antiga. São histórias riquíssimas em dados psicológicos, econômicos, materiais, artísticos, políticos e culturais.

Entendendo a Mitologia Grega

Os gregos antigos enxergavam vida em quase tudo que os cercavam, e buscavam explicações para tudo. A imaginação fértil deste povo criou personagens e figuras mitológicas das mais diversas. Heróis, deuses, ninfas, titãs e centauros habitavam o mundo material, influenciando em suas vidas. Bastava ler os sinais da natureza, para conseguir atingir seus objetivos. A pitonisa, espécie de sacerdotisa, era uma importante personagem neste contexto. Os gregos a consultavam em seus oráculos para saber sobre as coisas que estavam acontecendo e também sobre o futuro. Quase sempre, a pitonisa buscava explicações mitológicas para tais acontecimentos. Agradar uma divindade era condição fundamental para atingir bons resultados na vida material. Um trabalhador do comércio, por exemplo, deveria deixar o deus Hermes sempre satisfeito, para conseguir bons resultados em seu trabalho.

*Como os gregos interpretariam nosso atual contexto político brasileiro ?

para refletirmos ! ... significativas metáforas .

VALSAS VIENENSES __ Canto aos Bosques de Viena __ STRAUSS

STRAUSS BLUE DANUBE VALTZ by Johann Strauss __ Wiener Philharmoniker and Wiener Staatsopern Ballet

DANÚBIO AZUL __ Paisagem Austríaca

1867: PRIMEIRA EXECUÇÃO PÚBLICA DA VALSA " DANÚBIO AZUL "

1867: Primeira execução pública da valsa "Danúbio Azul"

Großansicht des Bildes mit der Bildunterschrift: Monumento ao rei da valsa Johann Strauss, no Parque Municipal de Viena

Obra-prima de Johann Strauss filho estreou em 15 de fevereiro, num baile de Carnaval no salão de uma piscina pública. Compositor não compareceu à apresentação. Muitos consideram a famosa valsa o hino nacional da Áustria.
A priori, a escolha das composições a serem executadas como bis após um concerto cabe ao maestro da orquestra. Porém, no tradicional Concerto de Ano Novo da Filarmônica de Viena, o regente não tem escapatória. Após o encerramento da parte oficial do programa, o público sabe de antemão o que vai ouvir e não está nem aí que todos os anos seja a mesma coisa.
Aos aplausos incessantes e pedidos de bis, seguem-se os primeiros violinos num acorde de lá maior, em tremolo, agudo e pianíssimo. E quando as trompas começam a soar, a platéia aplaude de novo entusiasticamente. Todo ano repetem-se duas obras clássicas, uma delas é a valsa Danúbio Azul, de Johann Strauss filho. A segunda, a Marcha Radetzky, de Johann Strauss pai.
Danúbio Azul é uma peça para orquestra, que acabou mais identificada com a Áustria do que o próprio hino nacional do país. A valsa tornou-se tão popular que, tanto na Alemanha quanto no Brasil, consagrou-se chamá-la abreviadamente. Originalmente, a obra carrega o nome An der schönen blauen Donau (No Belo Danúbio Azul), mas, em alemão, acostumou-se a referir-se a ela simplesmente como Donauwalzer e, em português, Danúbio Azul.
Strauss não regeu na estréia
A valsa estreou num baile de Carnaval, a 15 de fevereiro de 1867, no salão da piscina pública Dianabad de Viena. Por acaso, a obra não foi regida por seu compositor, Johann Strauss, em sua primeira execução pública. Na mesma noite, o vienense tinha uma apresentação marcada na corte imperial. Um compromisso que não poderia ser trocado por um baile de Carnaval.
A honra de apresentar Danúbio Azul num palco pela primeira vez coube a Rudolf Weinwurm, regente da Associação Masculina de Canto Coral de Viena. Afinal, fora a associação que havia encomendado a valsa de concerto e tivera de esperar o fim da guerra entre Prússia e Áustria, provocada pelo então primeiro-ministro prussiano, Otto von Bismarck. Patriota, Strauss alegava falta de condições de compor algo alegre durante o conflito. Somente quando a paz foi assinada em 3 de outubro de 1866, o vienense dedicou-se ao trabalho.
Assim, Danúbio Azul ficou pronta com mais de seis meses de atraso. Com a Áustria ocupada pelos prussianos, foi o próprio Bismarck quem definiu a data de apresentação da nova composição de Strauss, que possivelmente sentiu-se desconfortável ao saber que sua estréia foi executada pela banda do regimento alemão de infantaria 42, Jorge 5º, rei de Hannover, que estava estacionada em Viena.
Naquela noite, a música de Strauss foi acompanhada de um texto cantado, de autoria de Josef Weyl, um dos membros do coral. Tida como medíocre, a letra acabou sendo mais tarde abandonada, de modo que a valsa consagrou-se por sua composição musical.
Pai e filho compositores
Há quem confunda a autoria de Danúbio Azul, devido ao fato de pai e filho terem o mesmo nome e ambos terem sido compositores de valsas. Mas, embora Johann Strauss pai tenha composto muitos clássicos, como a Marcha Radetzky, foi seu filho que consagrou-se como o rei da valsa.
E, apesar da popularidade de Danúbio Azul, muitos músicos apontam outras composições como as melhores de Strauss: Rosas do Sul (Rosen aus dem Süden), Vozes da Primavera (Frühlingsstimmen) e Vida de Artista (Künstlerleben), entre outras.
Isto não quer dizer, porém, que Danúbio Azul não tenha admiradores entre os mestres da música erudita. Richard Wagner, por exemplo, não escondia seu encanto pelo primor da introdução da valsa, e Johannes Brahms teria anotado certa vez num guardanapo um comentário sobre a obra-prima de Strauss: "Infelizmente não é minha."

O PÁSSARO CATIVO __ Poema de Olavo Bilac

O pássaro cativo
Armas, num galho de árvore, o alçapão

E, em breve, uma avezinha descuidada,

Batendo as asas cai na escravidão.

Dás-lhe então, por esplêndida morada,

Gaiola dourada;

Dás-lhe alpiste, e água fresca, e ovos e tudo.

Por que é que, tendo tudo, há de ficar

O passarinho mudo,

Arrepiado e triste sem cantar?

É que, criança, os pássaros não falam.

Só gorjeando a sua dor exalam,

Sem que os homens os possam entender;

Se os pássaros falassem,

Talvez os teus ouvidos escutassem

Este cativo pássaro dizer:"Não quero o teu alpiste!"

Gosto mais do alimento que procuro

Na mata livre em que voar me viste;

Tenho água fresca num recanto escuro

Da selva em que nasci

Da mata entre os verdores,

Tenho frutos e flores

Sem precisar de ti!

Não quero a tua esplêndida gaiola!

Pois nenhuma riqueza me consola,

De haver perdido aquilo que perdi...

Prefiro o ninho humilde construído

De folhas secas, plácido, escondido.

Solta-me ao vento e ao sol!

Com que direito à escravidão me obrigas?

Quero saudar as pombas do arrebol!

Quero, ao cair da tarde,

Entoar minhas tristíssimas cantigas!

Por que me prendes? Solta-me, covarde!

Deus me deu por gaiola a imensidade!

Não me roubes a minha liberdade...

Quero voar! Voar!

Estas coisas o pássaro diria,

Se pudesse falar,

E a tua alma, criança, tremeria,

Vendo tanta aflição,

E a tua mão tremendo lhe abriria

A porta da prisão...

UMA BOA SEMANA A TODOS

LUA BRANCA

Composição: Chiquinha Gonzaga

Oh, lua branca de fulgores e de encanto,
Se é verdade que ao amor tu dás abrigo,

Vem tirar dos olhos meus, o pranto,

Ai, vem matar essa paixão que anda comigo.
Ai, por quem és, desce do céu, ó lua branca,
Essa amargura do meu peito, ó vem e arrancar,

Dá-me o luar da tua compaixão,

Oh, vem, por Deus, iluminar meu coração.

E quantas vezes, lá no céu, me aparecias,

a brilhar em noite calma e constelada.

A sua luz então me surpreendia

Ajoelhado junto aos pés da minha amada.

Ela a chorar, a soluçar, cheia de pejo,

vinha em seus lábios me ofertar um doce beijo.

Ela partiu, me abandonou assim,

Oh, lua branca, por quem és, tem dó de mim!

ÀS MULHERES DE TODO O MUNDO , MEUS PARABÉNS !

DIA INTERNACIONAL DA MULHER __ HISTÓRIA

8 de março – Uma data de muitas histórias
Era uma vez uma mulher... duas mulheres.... talvez, 129 mulheres.
A data era 8 de março de 1857; mas bem podia ser de 1914 ou (quem sabe?) de 1917.
O país era os Estados Unidos – ou será Alemanha? Ou a Rússia?Tantas datas, tantos lugares e tanta história revelam o caráter, no mínimo, instigante da seqüência de fatos que permeiam a trajetória das pesquisas em busca da verdadeira origem da oficialização da “data de 8 de março” como o Dia Internacional da Mulher.
É instigante, e curiosa, talvez porque mescla fatos ocorridos nos Estados Unidos (Nova Iorque e Chicago), na Alemanha e na Rússia: mescla, também, greves e revoluções; reivindicações e conquistas. E nos apresenta datas que variam do dia 3 de maio (comemorado em Chicago em 1908), ao dia 28 de fevereiro (1909, em Nova Iorque) ou 19 de março (celebrado pelas alemãs e suecas em 1911).A mais divulgada referência histórica dessa oficialização, na verdade, é a II Conferência Internacional das Mulheres Socialistas em Copenhague, Dinamarca, em 1910, da qual emanou a sugestão de que o mundo seguisse o exemplo das mulheres socialistas americanas, que inauguraram um feminismo heróico de luta por igualdade dos sexos. Na ocasião dessa conferência, foi proposta a resolução de “instaurar oficialmente o dia internacional das mulheres”. Contudo, apesar de os relatos mais recentes trazerem sempre a referência ao dia 8 de março, não há qualquer alusão específica a essa data na resolução de Copenhague.É bem verdade que o referido exemplo americano – de intensa participação das mulheres trabalhadoras – ganhou força com o evento de um massacre “novaiorquino” extremamente cruel, datado de 8 de março de 1857.
Nesta data, um trágico evento vitimou 129 tecelãs. Era uma vez uma mulher... duas mulheres.... talvez, 129 mulheres : dentro da fábrica em Nova Iorque onde trabalhavam, essas mulheres foram mortas porque organizaram uma greve por melhores condições de trabalho e contra a jornada de doze horas. Conta-se que, ao serem reprimidas pela polícia, as trabalhadoras refugiaram-se dentro da fábrica. Naquele momento, de forma brutal e vil, os patrões e a polícia trancaram as portas e atearam fogo, matando-as todas carbonizadas.Fato brutal! Mas há quem considere como mito a correlação única e direta da tragédia das operárias americanas com a data do Dia Internacional da Mulher, simplesmente por não haver documento oficial que estabeleça essa relação.Alguns estudiosos encontram uma correlação “mais confiável” em outros fatos históricos. Descrevem, por exemplo, como uma relação mais palpável, a data da participação ativa de operárias russas, em greve geral, que culminou com o início da revolução russa de 1917. Segundo relato de Trotski (História da Revolução Russa), o dia 8 de março era o dia internacional das mulheres – o dia em que operárias russas saíram às ruas para reivindicar o fim da fome, da guerra e do czarismo. “Não se imaginava que este ‘dia das mulheres' inaugurasse a revolução”.Com essas duas, ou com outras tantas histórias, materializam-se, em face da diversidade de interpretações, nossas interrogações sobre a verdadeira origem do Dia “8 de março” Internacional da Mulher. Contudo, é impossível não reconhecer o vínculo entre as datas das tragédias e vitórias relatadas com a escolha da data hoje oficializada. A aceitação desse vínculo está registrada em textos, livros e palestras da atualidade. E, com certeza, essa aceitação não decorre exclusivamente de documentos oficiais; decorre principalmente de um registro imaterial – a memória de quem reconhece e jamais esquece as recorrentes e seculares reivindicações femininas por justiça e igualdade social.E, assim, voltamos ao começo: Era uma vez uma mulher... duas mulheres.... talvez, 129 mulheres. A data era 8 de março de 1857; mas bem podia ser de 1914 ou (quem sabe?) de 1917 . E voltamos a esse começo mesmo para concluir que o fato de o dia internacional da mulher estar, ou não, oficialmente ligado a esse ou àquele momento histórico não é o foco mais significativo da reflexão que ora se apresenta. Afinal, o dia 8 de março universalizou-se – isso é fato . E universalizou-se pela similaridade dos eventos mundiais relacionados à luta das mulheres.Hoje, sem sombra de dúvidas, a data é mais que um simples dia de comemoração ou de lembranças. É, na verdade, uma inegável oportunidade para o mergulho consciente nas mais profundas reflexões sobre a situação da mulher: sobre seu presente concreto, seus sonhos, seu futuro real. É dia para pensar, repensar e organizar as mudanças em benefício da mulher e, conseqüentemente, de toda a sociedade. Os outros 364 dias do ano são, certamente, para realizá-las.

Texto do site:http://www.senado.gov.br/anodamulher/destaques/datas.asp

A DOR E A DELÍCIA DE SER MULHER

Existem momentos que nunca serão apagados, pessoas que nunca serão esquecidas, pois a vida não vale um momento, mas há momentos que valem uma vida ...

TERNURA DE SERMOS APENAS HUMANOS

Se não podemos mudar o mundo, interminável trabalho de formiguinha, resta nos abrir para o que existe e sempre existirá de positivo: os verdadeiros amores, que não se baseiam em vantagens, mas em ternura e respeito; as verdadeiras amizades, que não se contam pelos dias convividos, mas pela certeza de que o outro está sempre ali; as verdadeiras famílias, em que apesar das diferenças imperam a confiança e a alegria. Sempre que alguém quer e realiza o mal do outro, alguma coisa no mundo se desestrutura; toda ação ou palavra perversa, toda injustiça é um crime contra a natureza mais ampla, que nos inclui, a nós, seres humanos vulneráveis e grandiosos, patéticos e dignos - tudo isso por sermos apenas humanos. (Lya Luft, trecho extraído do artigo "O belo e o bom", em sua coluna Ponto de Vista, da revista Veja, de 31 de janeiro de 2007)

POEMA MULHER

Poema Mulher
Mulher que nasce ...
Que renasce das suas cinzas ,
Mulher Fenix ...
Meus cumprimentos por este maravilhoso renascer
Estas palavras que florescem
Cuja magia acalentam ...
E mostram a alma de uma mulher
Verdadeira , Transparente , Eterna ...
Uma mulher mesmo sofrida
Transbordando amor e fascinante poder
De Dar e Renovar ...
A todos que a circundam
de acrescentar vida a tudo !
Seja hoje , seja sempre , eternamente
Amante ...
Da vida e do mundo ...
Do Amor Maior ...
Possui em apenas um segundo ,
O supremo dom de oferecer tudo ...
Oferenda maior ...
Vida ao Ser Nascente !
Ao Mundo em Paz
Deus a proteja mulher dos mundos ...
Mulher dos astros
Das estrelas ...

Sandra Waihrich Tatit

* Ofereço este poema às mulheres que me visitam aqui em 'Arte é Vida' pelo Dia Internacional da Mulher e , me presenteiam com um pedacinho de seu tempo , na gratuidade da vida que dá à Vida !

Com minha consideração e agradecimento eternos , Sandra

LITERATURA INTIMISTA DE LYA LUFT , DESVENDA O MUNDO FEMININO

Lya Luft , desvenda através de seus escritos , o submundo em que vive a mulher. Sua literatura extremamente intimista , percorre o caminho desenhado por Clarice Lispector, mas com uma nota absolutamente pessoal. A questão feminina é tratada sob o ponto de vista feminino, configurando, dessa forma, a écriture féminine . Zila Bernd, referindo-se a Luft afirma que: "Sua escrita é uma volta ao interior da casa, ao interior do desejo, encenando o mito do eterno retorno que é uma das principais marcas da escritura feminina". Os romances , A asa esquerda do anjo, Reunião de família, O quarto fechado e As Parceiras abordam, principalmente, a luta contínua entre o princípio da vida e da morte, entre Eros e Tanatos. A criação das personagens esta ligada à sua visão de mundo, não aceita mais a perpetuação do poder masculino, embora aponte para a decadência do patriarcado. A contestação aos valores patriarcais se revela, em Lya Luft, de forma cortante, mostrando o drama da mulher, educada dentro de rígidos padrões moralistas. As protagonistas continuam presas à família, presas às regras do jogo social. A situação social da personagem tem importância à medida que representa condicionamentos impostos por práticas sociais. As personagens femininas são flagradas num determinado momento de sua trajetória: o momento em que o mundo, carecendo de sentido, se esvazia sob a ótica feminina. Lya Luft constrói em suas obras um mundo decadente que se desagrega e se desmancha, compondo um universo feminino marcado pela loucura, pela doença e pela morte; o jogo e o grotesco, o trágico e o grotesco se articulam para desvelar as regras, desvendando os absurdos de uma sociedade repressora e injusta, em que a mulher é o "lado esquerdo", que fica sempre à margem da sociedade. Na obra romanesca de Luft a narrativa é sempre feita por uma mulher que relata sua problemática, partindo de um universo fragmentado, procurando sua verdadeira identidade. Em As Parceiras é Anelise, adulta, que busca explicação para os destinos das mulheres da família; em A asa esquerda do anjo é Guísela/ Gisela, também adulta que refaz sua trajetória em busca de sua identidade; em Reunião de família é Alice, que rememora, na sua história familiar, a repressão; em O quarto fechado, há quase uma exceção, pois a narrativa é feita em 3ª pessoa, mas o discurso interior de Renata é forte e alterna-se com a voz narrativa. O existencialismo percorre toda a escritura luftiana, as protagonistas, se analisadas do ponto de vista existencialista, representam a negação, o nada, pois não conseguem, do ponto de vista sartreano, realizar seus projetos - Sartre afirma que "o homem nada mais é do que aquilo que projeta ser" - Anelise, Guísela / Gisela, Alice, Renata são impedidas de se realizarem como seres humanos plenos, independentes, sujeitos ativos de seu destino. Algo se rompe dentro delas: Alice, em Reunião de família, torna-se escrava da rotina, mas encontra no espelho a outra Alice que simboliza a liberdade; Anelise, em As Parceiras, fixou-se na maternidade para vencer seus fantasmas, Gisela, em A asa esquerda do anjo, sofre por ser a imagem da exclusão e pelo autoritarismo da matriarca da família; Renata, em O quarto fechado, é a própria imagem da fragmentação (mãe-esposa-profissional), diante do filho morto, ela é o nada. Na concepção de Sartre, o homem também é angústia, e as personagens de Lya são a própria imagem da angústia, angústia na solidão ou na ausência dela, angústia de viver e morrer. A casa, a solidão, o moralismo, todos este impulsos configuram a morte do desejo e o auto-exílio. Ela constrói com ambigüidade suas personagens, aponta para realidades diversas, inserindo o ser humano numa eterna contradição. O mundo psíquico das mulheres de Luft está continuamente envolto, nas levas apaixonadas e sem fronteiras de um ambíguo sentimento simultâneo de amor e ódio, cujos limites não são possíveis de traçar e, exatamente por esta razão, retêm a personagem num universo melancólico . Para a pesquisadora Lucia Helena: A ficção de Lya Luft dedica-se a narrar a tematização da passagem de uma sociedade regida pelos laços ainda telúricos da experiência e da tradição torna-se pouco a pouco um outra, um mundo movido pelo choque, pela fragmentação, pelo spleen corrosivo e melancólico. Esta transformação é vivida melancolicamente pelo imaginário soturno da personagem, que se debate nas fímbrias da morte do desejo compulsivamente barrado (1991:86). A linguagem simbólica torna sua narrativa universal e perpassa toda a obra, e a morte, encarada sob o prisma mitológico, torna-se uma alegoria. Lya Luft recorre a símbolos recorrentes (árvores, noite, verme, anão) que possuem em sua carga semântica uma duplicidade de sentidos, configurando, sempre, a eterna contradição humana, a luta eterna entre Eros e Tanatos. Há, também, em seus escritos, a presença da circularidade, pois fica evidenciado que suas personagens sempre retornam ao ponto de partida, a narradora é flagrada num momento de caos interior e tenta recuperar o elo entre o eu e o mundo. Essa voz feminina revela-se e encontra coragem para enfrentar o passado, porém sempre retorna ao presente. Além disso, sua obra está construída sobre uma circularidade de elementos que dão suporte a sua narrativa, que se configura, também, por meio da recorrência de temas. As personagens da obra de Lya Luft carregam uma culpa imemorial, a culpa de Pandora, a culpa de ser incapaz de reter o tempo perdido; a felicidade, se aconteceu é só uma lembrança, pois num mundo dominado pelo tempo, Eros será mera recordação do passado, Tanatos é sempre o vencedor. A morte não acontece apenas no plano físico, mas também configura-se através da incapacidade de amar. Se, por um lado, todas as personagens têm dificuldade para lidar com a morte (e todo ser humano tem), também demonstram incapacidade para lidar com a vida e com o amor. Lya Luft é uma voz feminina que busca sua identidade literária num mundo em que a mulher, ainda, continua à margem esquerda da sociedade. Mas que luta para se fazer sujeito da História. Desta ficção se pode também dizer que abandona a narrativa centrada na vida pessoal de uma personagem quase que autobiográfica e se aprofunda no exame crítico dos múltiplos papéis da mulher na sociedade. A condição feminina, vivida e transfigurada esteticamente, é um elemento estruturante, não se trata de um simples tema literário, mas da substância de que se nutre a narrativa. A representação do mundo é feita a partir da ótica feminina, portanto, de uma perspectiva diferente (para não dizer marginal), com relação aos textos reconhecidos pelo cânone literário. A mulher, vivendo uma condição especial, representa o mundo de forma diferente. O discurso da escritura feminina é conseqüência de um processo de conscientização, não que o discurso feminino se confunda com feminismo, mas traz como alicerce a consciência da situação social da mulher. Este discurso subverte a ordem vigente, questionando papéis sociais, representando a mulher dividida, numa linguagem que também subverte os padrões normais. Este é o discurso feminino, uma necessidade de um tempo e de um espaço especiais. Dessa forma, não há como considerá-lo algo segregado do acervo literário. Ele representa uma tendência altamente significativa do ponto de vista estético e social, pois é uma representação artística da situação da mulher feita por mulheres.
Pesquisa Internet

AS MULHERES E SUA TRAJETÓRIA FRAGMENTADA , tantas mulheres são impedidas de atingirem seus ideais e sonhos , pela opressão e preconceitos dos tempos !

Nesta Semana Internacional da Mulher , uma homenagem de 'Arte é Vida' à Lya Luft , eminente escritora e poetisa , do Rio Grande do Sul , Brasil

TRECHO DO LIVRO ' PERDAS E GANHOS ' Lya Luft

Um dia me pediram para escrever sobre o “casal perfeito”: bom para quem gosta de desafios. Minha primeira providência foi cercar com aspas o vocábulo “perfeito”.
O que justificaria o rótulo sobre o qual eu devia escrever?
Imediatamente ocorreu-me que parceiros de um casal “perfeito” precisam se querer bem como se querem os bons amigos, e temperar esse afeto com a sensualidade que distingue amizade de amor. Duas pessoas que compreendem, sem ressentimento nem cobranças, a inevitável dose de peculiaridades do ser humano e sua dificuldade de comunicação. Em última análise, toda a sua complicação.
A melhor parceria deve ser aquela em que um aceita o outro sem ter de se submeter a qualquer coisa pelo outro; em que um aprecia e admira o outro, mas tem por ele ternura e cuidados. Sobretudo aquela em que um parceiro não investe no outro todos os seus projetos, à primeira decepção passando de amor a rancor.
Se o outro servir de cabide para os nossos sonhos mais extravagantes de perfeição, o primeiro vento contrário derruba o pobre ídolo que não tem culpa de nada.
No casamento saudável há um propósito geral: quero passar com você o melhor de meus dias, construir com você uma relação gostosa, importante e definitiva.
É importante não correr para os braços do outro fugindo da chatice da família, da mesmice da solidão, do tédio. É essencial não se lançar no pescoço do outro caindo na armadilha do “enfim nunca mais só!”, porque numa união com expectativas exageradas decreta-se o começo do exílio.
Amor bom, além do mais, tem de suportar e superar a convivência diária.
A conta a pagar, a empregada que não veio, o filho doente, a filha complicada, a mão com Alzheimer, o pai deprimido, ou o emprego sem graça e o patrão grosseiro. Quando cai aquela última gota – pode ser uma trivialíssima gota -, a gente explode. Quer matar e morrer, e nos damos conta: nada mais em nossa relação é como era no começo. Não é nem de longe como planejávamos que fosse.
Não queremos continuar assim, mas não sabemos o que fazer. Ou sabemos, mas nos parece inexeqüível.
Na verdade, na parceria amorosa como em tudo o mais recomeçamos tudo todos os dias. Então podemos tentar começar diferentes também aqui e agora. O cotidiano conforta, os seus pequenos rituais são os marcos de nossa vida mais segura, mas também traz desencanto e monotonia.
Precisamos de criatividade num relacionamento amoroso, dizem. O problema é que quando se fala em “criatividade” numa relação a maioria pensa logo em inovações no sexo, como se a solução estivesse em novas posições, outro perfume, artifícios exóticos.
Transar bem é resultado, não meio. Como deveriam ser os filhos: fruto de um afeto vivo, não instrumento para consertar o que está falido.
Passada a primeira fase de paixão (desculpem, mas ela passa, o que não significa tédio nem fim de tesão), a gente começa a amar de outro jeito. Ou a amar melhor; ou: aí é que a gente começa a amar; a querer bem; a apreciar; a respeitar; a valorizar; a mimar; a sentir falta; a conceder espaço; a querer que o outro cresça e não fique grudado na gente.
“Se você ama alguém, deixe-o livre”, estava escrito no bilhete que foi um dos maiores presentes que me deu alguém entre tantos outros bens.
Um pouco de lucidez e um bocado de maturidade (ah, que boa coisa, o tempo) há de mostrar se – e o quê – pode ser ainda conquistado a dois.
Isso entendido chega o momento da definição: e agora, o que fazer? Investir, se há mais possibilidades do que vazio.
Como a gente não desiste fácil – porque afinal somos guerreiros ou nem estaríamos mais aqui, e porque há os filhos, os compromissos, a casa, a grana e até ainda o afeto -, vamos criar um jeito de reconstruir o que parece esfarelado. Isto é: quando há vontade, afeto, quando resta interesse. Desde que seja uma reinvenção a dois, não a submissão de um e o exílio de outro. Pois o espaço entre opressor e oprimido é um vazio.
Mas e quando realmente nada mais resta de positivo?
Laços podem ser reconstituídos, remendados ou cortados. O corte se faz com mais ou menos generosidade, carinho ou hostilidade e raiva – sempre com dor. Porém nenhuma união deveria ser a sentença definitiva de aniquilamento mútuo dentro de uma jaula.

CANÇÃO NA PLENITUDE

Canção na Plenitude

Lya Luft

Não tenho mais os olhos de menina nem corpo adolescente,

e a pele translúcida há muito se manchou .

Há rugas onde havia sedas , sou uma estrutura

agrandada pelos anos e o peso dos fardos bons ou ruins .

Carreguei muitos com gosto e alguns com rebeldia.

O que te posso dar é mais que tudo que perdi: dou-te os meus ganhos.

A maturidade que consegue rir

quando em outros tempos choraria,

busca te agradar quando antigamente quereria apenas ser amada.

Posso dar-te muito mais do que beleza e juventude agora:

esses dourados anos

me ensinaram a amar melhor,

com mais paciência e não menos ardor,

a entender-tese precisas , a aguardar-te quando vais,

a dar-te regaço de amante e colo de amiga,

e sobretudo força — que vem do aprendizado.

Isso posso te dar: um mar antigo e confiável cujas marés

mesmo se fogem — retornam,

cujas correntes ocultas

não levam destroços mas o sonho interminável das sereias .

BIOGRAFIA E OBRAS LITERÁRIAS DE LYA LUFT

Lya Luft nasceu em Santa Cruz do Sul, uma colônia germânica do Rio Grande do Sul, em 1938. Criança, estudou numa escola de língua alemã. Apaixonada por livros desde menina, aos 11 anos, decorava versos de Goethe e Schiller. Mais tarde, foi para Porto Alegre, onde se formou em Pedagogia e Letras Anglo-germânicas. Professora universitária, mestre em Lingüística Aplicada e Literatura Portuguesa e Brasileira, traduziu obras de Virginia Wolf, Rilke, Hermann Hesse, Günter Grass e Thomas Mann, entre outros. Poeta, cronista, contista, romancista e ensaísta, é uma das mais prestigiadas autoras da literatura brasileira contemporânea, alia sucesso de crítica e público e é considerada o maior fenômeno editorial brasileiro dos últimos anos.
Lya Luft ensinou Literatura e traduziu grandes autores. Escreveu poemas, contos e crônicas, e, aos 41 anos, surgiu no cenário da literatura brasileira como estrela de primeira grandeza, com o romance As Parceiras (1980), que superou a marca de 20 re-edições, e continua com sua carreira de sucesso. Saudado como o acontecimento intelectual do ano e tema de estudos acadêmicos, o livro conta a história de Anelise, que busca encontrar respostas para seu infortúnio no diálogo com as mulheres que marcaram sua vida – a avó, obrigada a casar-se aos 14 anos com um homem violento, a tia viúva-virgem, a tia anã, a amiga inesquecível e a irmã, personagem forte e decidida, que guarda um estranho segredo. Apontada por muitos como a intérprete mais sutil do universo feminino e dos mitos da sexualidade, da repressão familiar e dos temores infantis, Lya teve sua obra adotada também como fonte para estudos e debates sobre a mulher.As expectativas geradas pelo alto nível de As Parceiras foram correspondidas e superadas pelos livros que vieram a seguir. Em A Asa Esquerda do Anjo (1981), a reflexão sobre a condição humana ocorre a partir da narrativa da vida de Gisela, personagem que, de frustração em frustração, encaminha-se para a autodestruição, imersa num universo marcado por orgulho, hipocrisia, ressentimento e opressão. De forma vigorosa e implacável, Lya expõe as fraquezas e os anseios, os desalentos e os impulsos mais obscuros inapelavelmente presentes na vida de todas as pessoas, levando o leitor a reconhecer-se nos conflitos vividos pelas personagens. No ano seguinte, as questões familiares ocupam a cena no romance Reunião de Família (1982), seguido por O Quarto Fechado (1984), onde, no extremo da tragédia, um casal separado volta a reunir-se ao lado do caixão do filho suicida, e cada qual refaz os passos que o conduziram até ali, revivendo o sofrimento do adolescente morto e de sua irmã gêmea, um ser repulsivo trancado num quarto. Outros romances e livros de poesia seguiram-se numa trajetória de êxitos. A cada livro, uma dança de sedução entre a autora e seus personagens, entre ela e seu leitor, numa conversa íntima, que mantém o ritmo da linguagem e prende a atenção e a emoção do leitor.Em 1999, Lya Luft realiza um projeto antigo e reelabora sua visão da criação literária em O Ponto Cego, uma história de família, um romance de amor e mistério, guiado por um narrador que inventa e desinventa como quer, arriscando-se a cair em sua própria armadilha e ser desinventado. Embora Lya nunca tenha deixado de ser sucesso desde o lançamento de As Parceiras, não foi sem espanto que a crítica se deparou com as estrondosas vendas de Perdas & Ganhos (2003) – mais de 700 mil exemplares vendidos no Brasil, permanecendo no topo da lista dos mais vendidos por mais de 54 semanas, e uma dezena de traduções para idiomas estrangeiros. Afinal, muito raramente uma autora tão bem quista pela crítica e pela academia consegue igual apreço do público. Com Lya, foi diferente. Seu estilo continuou requintado como sempre, a mesma profundidade de observação e a mesma sensibilidade - que explica a capacidade da autora de perscrutar os mistérios mais profundos do ser humano – solidão, morte, amor, vício, assombramento e desencontro – nos conflitos que tecem a trama das vidas de todos nós.Em Perdas & Ganhos, Lya Luft fala sobre o amor, o prazer e a dor da perda, em textos curtos, a meio caminho entre as memórias e o ensaio, indo da sugestão poética ao diálogo quase aberto com o leitor. A cada página, encontramos uma nova maneira de olhar o que nos cerca e uma inspiração para refletir sobre nossas próprias histórias. Na contramão da banalização, Lya baseia sua relação com o leitor numa convocação à descoberta da beleza e das questões existenciais mais essenciais nos acontecimentos comuns da vida. Uma abrangente coletânea de crônicas com o sugestivo título Pensar é Transgredir (2004) deu seqüência ao diálogo de Lya com o grande público, seguido de um volume de poesia Para não dizer adeus (2005) e ainda em 2006, Em Outras Palavras, reunindo crônicas publicadas na Revista Veja.Traduzida em vários países, adotada em escolas e faculdades, comentada em grupos de psicanalistas, objeto de estudos acadêmicos, e ainda admirada e lida por gente comum de todas as idades, tendo trechos de seus poemas e reflexões transcritos em inúmeros blogs, Lya não se poupa de desafios. Depois de consagrar-se em quase todas as frentes da Literatura, estreou como autora infantil, com Histórias de Bruxa Boa (2005), um livro cheio de imaginação, destinado a repetir entre as crianças o mesmo fascínio exercido sobre os adultos.
“A vida é maravilhosa, mesmo quando dolorida. Eu gostaria que, na correria da época atual, a gente pudesse se permitir criar uma pequena ilha de contemplação, de autocontemplação, de onde se pudesse ver melhor todas as coisas: com mais generosidade, mais otimismo, mais respeito, mais silêncio, mais prazer.'
Lya Luft
“(...) tento mergulhar na chamada alma humana: seres perseguidos e perseguidores, os sugados e seus vampiros, os desejosos e os desejados, os mortos e os vivos, os amantes e os desamados.”
Lya Luft
“Minha literatura aborda o drama existencial e o mistério de tudo. Tragédia, morbidez, mas também amor, ternura, desejo de encontro, e muita magia, muita transcendência...”
Lya Luft
Leia a entrevista com Lya Luft
OBRAS
Romances- A Asa Esquerda do Anjo – 1981, 2003, Record- As Parceiras – 1990, 2003, Record- O Ponto Cego – 1999, 2003, Record- Reunião de Família – 1982, 2004, Record- O Quarto Fechado – 1984, 2004, Record- Exílio – 1988, 2005, Record- A Sentinela – 1994, 2005, Record- Silêncio dos Amantes (título provisório) – (no prelo) - Record
Contos & Crônicas- Pensar é Transgredir – 2004, Record- Em Outras Palavras – 2006, Record
Poesias- Mulher no Palco – 1984, Siciliano- O Lado Fatal – 1988, Siciliano- Secreta Mirada – 1997, 2005, Record- Para Não Dizer Adeus – 2005, Record
Infantil & Juvenil- Histórias de Bruxa Boa (il. Susana Luft) – 2005, Record- A Volta da Bruxa Boa (il. Susana Luft) – (no prelo), Record
Não Ficção: Ensaios, Memórias- Histórias do Tempo – 2000, Siciliano- Mar de Dentro – 2002, Record - O Rio do Meio – 1996, 2003, Record - Perdas & Ganhos – 2003, Record
Edições Estrangeiras- Alemanha - Perdas e Ganhos (Geriten dês Glücks) - 2005, Ulstein- Catalúnia – Perdas e Ganhos (Pèrdues I Guanys) - 2005, Grup 62 - Dinamarca - Perdas e Ganhos (no prelo) - Bazar Forlag- Espanha - Perdas e Ganhos (Perdidas y Ganancias) – 2005, El Pais / Aguilar - Finlandia - Perdas e Ganhos (no Prelo) - Bazar Forlag- França - Perdas e Ganhos (Pertes & Profits) - 2005, Editions Metailié- Holanda - Perdas e Ganhos (Geven em Nemen) - 2005, De Boekerij- Israel - Perdas e Ganhos (No Prelo), Kinneret-Zmora- Itália - Perdas e Ganhos (Perdite e Guardiagni) - 2006, Rcs Libri / Bompiani- Iuguslávia - Perdas e Ganhos (Dobici i gubici) – 2006, Laguna- Noruega - Perdas e Ganhos (no Prelo), Bazar Forlag - Portugal - Perdas e Ganhos - 2004, Editorial Presença- Portugal - Pensar é Transgredir - 2005, Editorial Presença- Suécia – Perdas e Ganhos (no prelo), Bazar Forlag- UK – Perdas e Ganhos (no prelo) Vermillion

O UNIVERSO DE LYA LUFT

No mundo da Lya
A gaúcha Lya Luft se torna uma campeã de vendagem com a lição de que a vida deve ser saboreada , no que tem de doce e de amargo.
Isabela Boscov
Liane Neves
Lya, na casa que construiu com o primeiro marido, em Porto Alegre: o sucesso depois dos 60.
Leia capítulos de Pensar É Transgredir
Outros livros da escritora
Teste: Você conhece o universo de Lya Luft?
Existe uma longa (e quase esquecida) tradição filosófica, que começa na Grécia clássica, empenhada em refletir sobre a vida e a morte – ou, mais precisamente, sobre como remover os obstáculos que nos impedem de viver e morrer bem. Há também uma corruptela moderna, e altamente lucrativa, dessa tradição – a auto-ajuda, que trocou a reflexão pelo tom e pelas simplificações dos manuais. Entre esses dois extremos, encontra-se algo raro, que o best-seller Perdas & Ganhos, lançado no ano passado pela escritora Lya Luft, exemplifica. Perdas & Ganhos fala das armadilhas que nós próprios criamos, e que se interpõem entre nós e a fruição plena da vida. Fala do medo da velhice e do quanto ele é injustificado, da desorientação diante da educação dos filhos, da falta de tempo e de como desperdiçamos o pouco que temos em frivolidades, dos rancores passados que ainda norteiam o presente, do fim às vezes inevitável dos casamentos, dos arrependimentos pelas oportunidades que julgamos perdidas. Fala, também, das rasteiras que vez por outra a vida nos passa, como nascer num lar infeliz ou o sofrimento com a morte de pessoas queridas. Fala, claro, das coisas boas da existência humana – especialmente as ligadas ao amor, em todas as suas formas. Não por acaso, muitos dos leitores do livro de Lya o têm usado como fonte de aconselhamento. Se, à primeira vista, isso parece caracterizar o trabalho da autora gaúcha como representante do segmento de auto-ajuda, um exame um pouco mais atento não demora a dispersar essa impressão – que Lya, aliás, abomina. "A auto-ajuda pretende ensinar as pessoas a serem felizes. Eu quero provocar meus leitores e fazer com que eles pensem", diz. Para tanto, ela se vale de um tom que reproduz o de uma conversa íntima: em uma prosa serena e de polimento nitidamente literário, a autora troca idéias com o leitor, faz reflexões, rememora episódios de sua vida, conta casos que lhe foram transmitidos por outros e emite opiniões – opiniões, frise-se, não conselhos.

SEMANA DA MULHER

UM PAPO COM LYA LUFT

'PENSAR É TRANSGREDIR' __ Lya Luft , ilustre escritora gaúcha , homenageada por 'Arte é Vida' , na Semana Internacional da Mulher !

Lya Luft

Pensar é Transgredir

Não lembro em que momento percebi que viver deveria ser uma permanente reinvenção de nós mesmos - para não morrermos soterrados na poeira da banalidade embora pareça que ainda estejamos vivos. Mas compreendi, num lampejo: então é isso, então é assim. Apesar dos medos, convém não ser demais fútil nem demais acomodada. Algumas vezes é preciso pegar o touro pelo chifres, mergulhar para depois ver o que acontece: porque a vida não tem de ser sorvida como uma taça que se esvazia, mas como o jarro que se renova a cada gole bebido. Para reinventar-se é preciso pensar: isso aprendi muito cedo. Apalpar, no nevoeiro de quem somos, algo que pareça uma essência: isso, mais ou menos, sou eu. Isso é o que eu queria ser, acredito ser, quero me tornar ou já fui. Muita inquietação por baixo das águas do cotidiano. Mais cômodo seria ficar com o travesseiro sobre a cabeça e adotar o lema reconfortante: "Parar pra pensar, nem pensar!" O problema é que quando menos se espera ele chega, o sorrateiro pensamento que nos faz parar. Pode ser no meio do shopping, no trânsito, na frente da tevê ou do computador. Simplesmente escovando os dentes. Ou na hora da droga, do sexo sem afeto, do desafeto, do rancor, da lamúria, da hesitação e da resignação. Sem ter programado, a gente pára pra pensar. Pode ser um susto: como espiar de um berçário confortável para um corredor com mil possibilidades. Cada porta, uma escolha. Muitas vão se abrir para um nada ou para algum absurdo. Outras, para um jardim de promessas. Algumas, para a noite além da cerca. Hora de tirar os disfarces, aposentar as máscaras e reavaliar: reavaliar-se. Pensar pede audácia, pois refletir é transgredir a ordem superficial que nos pressiona tanto. Somos demasiado frívolos: buscamos o atordoamento das mil distrações, corremos de um lado a outro achando que somos grandes cumpridores de tarefas. Quando o primeiro deveria ser de vez em quando parar e analisar: quem a gente é, o que fazemos com a nossa vida, o tempo, os amores. E com as obrigações também, é claro, pois não temos sempre cinco anos de idade, quando a prioridade absoluta é dormir abraçado no urso de pelúcia e prosseguir, no sono, o sonho que afinal nessa idade ainda é a vida. Mas pensar não é apenas a ameaça de enfrentar a alma no espelho: é sair para as varandas de si mesmo e olhar em torno, e quem sabe finalmente respirar. Compreender: somos inquilinos de algo bem maior do que o nosso pequeno segredo individual. É o poderoso ciclo da existência. Nele todos os desastres e toda a beleza tem significado como fases do processo. Se nos escondermos num canto escuro abafando nossos questionamentos, não escutaremos o rumor do vento nas árvores do mundo. Nem compreendermos que o prato das inevitáveis perdas pode pesar menos do que o dos possíveis ganhos. Os ganhos ou os danos dependem da perspectiva e possibilidades de quem vai tecendo a sua história. O mundo em si não tem sentido sem o nosso olhar que lhe atribui identidade, sem o nosso pensamento que lhe confere alguma ordem. Viver, como talvez morrer, é recriar-se: a vida não está aí apenas para ser suportada nem vivida, mas elaborada. Eventualmente reprogramada. Conscientemente executada. Muitas vezes, ousada. Parece fácil: "escrever a respeito das coisas é facil", já me disseram. Eu sei. Mas não é preciso realizar nada de espetacular, nem desejar nada execpcional. Não é preciso nem mesmo ser brilhante, importante, admirado. Para viver de verdade, pensando e repensando a existência, para que ela valha a pena, é preciso ser amado; e amar; e amar-se. Ter esperança; qualquer esperança. Questionar o que nos é imposto, sem rebeldias insensatas mas sem demasiada sensatez. Saborear o bom, mas aqui e ali enfrentar o ruim. Suportar sem se submeter, aceitar sem se humilhar, entregar-se sem renunciar a si mesmo e à possível dignidade. Sonhar, porque se desistimos disso apaga-se a última claridade e nada mais valerá a pena. Escapar, na liberdade do pensamento, desse espírito de manada que trabalha obstinadamente para nos enquadrar, seja lá no que for. E que o mínimo que a gente faça seja, a cada momento, o melhor que afinal se conseguiu fazer.

Lya Luft: "A cultura alemã me influenciou muito"

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A escritora Lya Luft recebeu a DW-WORLD para uma conversa na sua casa, em Porto Alegre. Ela falou sobre a imigração alemã no Brasil, sua admiração por Rainer Maria Rilke e Günter Grass e a experiência de escrever para a "Veja".
Gaúcha de Santa Cruz do Sul e descendente de imigrantes alemães, Lya é uma das escritoras de maior sucesso do Brasil na atualidade. Perdas e ganhos vendeu mais de 425 mil exemplares, Pensar é transgredir já chegou aos 180 mil e sua coluna na Veja atinge um público em potencial de quatro milhões de leitores. A entrevista foi no pequeno escritório da escritora em sua casa, entre livros, fotos da família e CDs de Maria Bethânia, Elis Regina, Bach e Beethoven.
DW-WORLD: Tu podes falar um pouco sobre tua infância?

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Lya Luft: Eu nasci em Santa Cruz do Sul, que sempre foi uma cidade típica de descendentes de imigrantes alemães. Meus antepassados de parte de pai e de mãe vieram naquelas primeiras levas, em 1825. Em geral eu digo que alemão fica bom depois de algumas gerações amaciando no Brasil. Passei a minha infância numa casa grande, com uma família divertida, mas com algumas coisas muito severas. Eu contestava isso e coloquei um pouco em dois ou três dos meus romances, principalmente na Asa esquerda do Anjo.
Na minha família se falava "nós, os alemães, e eles, os brasileiros". Isso era uma loucura, porque nós estávamos há gerações no Brasil. E como eu era uma menininha muito contestadora, um dia, com 7 ou 8 anos, numa Semana da Pátria, me dei conta: "Por que falam 'die Brasilianer und wir'?". Eu quero ser brasileira. E aí começou essa história – claro que naquela época eu não sabia das negras de origem africana vendendo acarajé nas ruas de Salvador –, mas eu digo que sou tão brasileira quanto qualquer negra de origem africana que vende acarajé nas ruas de Salvador. Talvez meus antepassados tenham vindo antes dos dela, então eu sou mais brasileira do que ela.
Eu nunca concordei com essa afirmação generalizada no Brasil que diz "vocês lá no Sul nem são bem brasileiros, vocês são meio europeus". Isso não me elogia em nada, eu não quero ser européia. Eu tenho o maior respeito pela cultura, pelo trabalho, pelas artes, pelas tradições de vários lugares na Europa, mas eu sou brasileira e quero gostar do Brasil.
Tua primeira língua foi o alemão?
Eu nasci em 1938 e logo em seguida começou a guerra. Em casa falávamos alemão, mas em seguida tive que falar português porque o alemão foi proibido. Minhas avós falavam alemão. Nenhuma conheceu a Alemanha. Eu me lembro delas sempre lendo. Isso é uma coisa legal que eu tenho delas – todo um imaginário dos contos de fadas.
Elas não conheceram a Alemanha, mas sempre tiveram essa imagem...
Era o lugar ideal. Principalmente para a minha avó materna. "Nós, os alemães..." Havia uma utopia e que tem a ver com uma certa arrogância européia, de um modo geral, que eu acho detestável.
Isso de elogiar os gaúchos dizendo que eles são europeus é tipicamente brasileiro.
Bildunterschrift: Großansicht des Bildes mit der Bildunterschrift: Capa da tradução alemã .